5 Hábitos recomendables mientras estudias música

Si estás pensando en ser un músico profesional o posiblemente estás comenzando a estudiar una carrera concerniente a la música, encontrarás este artículo interesante. Como toda carrera, la música requiere mucha disciplina y constante dedicación. Contraria a la mediática imagen del típico músico bohemio o descuidado, los músicos usualmente tienen una agenda cargada y muchas horas de sueño sacrificadas por su trabajo. Sea cual sea la especialización que elijas como ejecutor, arreglista e incluso producto musical, habrá mucho tiempo de estudio invertido. Por ello les recomendamos algunos hábitos de estudio para sacar el máximo provecho a lo aprendido en clase.

  1. Ensaya, ensaya y ensaya

    El tiempo que dediques a tu instrumento es vital para conocer tu propio sonido. Hay una gran diferencia entre escuchar un músico que ensaya y otro que recién descubre lo que puede lograr a la hora de la presentación. Pase lo que pase en el día, no dejes de ensayar porque esas horas de práctica se traducirán en excelencia más adelante. Además, el estilo personal de cada músico se descubre en los ensayos antes que en un escenario. Por ello, mientras más horas de ensayo, mejor performance.

  2. Escucha todo género musical

    Actualmente, hay ciertos estilos musicales discriminados (menciono frases comunes como: “yo no escucho cumbia limeña porque es huachafa”) o incluso estilos temidos (“no encuentro sentido en la música dodecafónica”). A veces es más valioso dejar a un lado nuestras preferencias musicales para poder apreciar otros elementos que enriquecen un género que logra identificar a otro grupo de personas. Salir de nuestra área de comodidad nos ayuda a ganar otras experiencias, otros músicos y conocer otra cultura a través de su sonido.

  3. Reúnete con otros músicos

    Observar el estilo de músicos compañeros de carrera en jam sessions o intercambiar puntos de vista es altamente constructivo para la formación musical. Quizá todos estén aún en un mismo nivel de aprendizaje, pero las experiencias y opiniones sobre temas musicales nunca serán iguales. Y eso es lo interesante. La música es un trabajo colectivo, aprender a trabajar en equipo es fundamental en esta carrera, por ello es mejor afianzar lazos de amistad con futuros compañeros de trabajo, y en muchos casos, amigos.

  4. Asiste a conciertos

    No hay nada que iguale la experiencia de ver en vivo a músicos profesionales o nuestras bandas favoritas. Poder ver plasmado en un escenario todo un trabajo de producción seria o, con el mismo respeto, apreciar la sencillez del recital de un solista nos da distintos panoramas de adonde podemos llegar con nuestro trabajo. En muchos casos, esa hora en la que podemos ver en acción a un artista en vivo, captar detalles como su postura, su comunicación con la audiencia o su técnica entre otros aspectos, puede ser mucho más valiosa que cualquier hora de clase teórica.

  5. No temas preguntar

    Tener a un buen profesor disponible es un privilegio que solo durará el tiempo de preparación, así que no malgastes las clases revisando tu celular. Recomiendo identificar las materias que son de interés, porque definitivamente habrán cursos más interesantes que otros, e investigar sobre el tema previamente. Como consecuencia, tendrás preguntas preparadas de antemano, otras perspectivas del tema repasadas con anterioridad y no irás a clase a enterarte recién del tema.

    Al forjar estos hábitos a lo largo de la carrera musical, se podrá adquirir más elementos que ayuden a destacar nuestras habilidades y experiencia. En la música más que en otras carreras, siempre se aprenden cosas nuevas y debemos estar preparados para obtener esa información y canalizarla en nuestro trabajo.

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“Nada hay tan poderoso como el ritmo”

En esta ocasión compartimos con ustedes unas reflexiones acerca del ritmo realizados por nuestro querido amigo y distinguido músico: Pancho Vallejos desde su cuenta de Facebook:
“Todo lo que existe tiene ritmo, desde los movimientos de los planetas hasta las partículas más ínfimas del mundo, y vivimos por el ritmo de la inspiración y de la expiración así como el ritmo del día y de la noche. El ritmo nos ordena, nos da vida, lo tenemos desde que funciona nuestro corazón. “Las formas superiores del ritmo – espirituales e intelectuales – se cumple a través de la propia vida y de una práctica basada en el instinto”, como también de una educación. Significa, el lenguaje de la vida en forma viva.


Para buscar el ritmo hay que oír y escuchar. Cuando el ritmo es exacto lo sientes con todos tus sentidos. Te invade una especie de confianza cuando te dejas llevar por el ritmo. Pero también hay que controlarlo. Se aprende haciendo ritmo. En el hacer se aprenderá progresivamente la técnica y la interpretación como la improvisación. Además, sensibiliza la memoria, la audición, el pensamiento, mejora la concentración y ayuda al desarrollo biopsicomotor. El ritmo desarrolla un sentimiento social, colectivo, personal y disciplinado.


“El ritmo como portador de fuertes impulsos síquicos y físicos hace pasar a un segundo plano procesos mentales discordes produciendo relajación en la persona” y no existe forma única de iniciar la enseñanza del ritmo. Es importante comenzar bien nada más.”

Publicado con autorización de su autor y citado en el primer párrafo de esta publicación.


“El estilo mismo define las fronteras de la libertad del intérprete”

Entrevista a Eduardo Fernández

“Cada obra posee una verdad,
que será subjetiva o elusiva,
pero hay que buscarla.
La ética del intérprete consiste en
acercarse lo más posible a esa verdad”
Eduardo Fernández

Eduardo Fernández, uno de los mayores referentes actuales de la guitarra clásica en el mundo, estuvo de paso por la ciudad de Lima dentro del marco de la I Temporada Internacional de Guitarra Clásica organizada por el Conservatorio Nacional de Música.

Fueron días intensos en los que el maestro brindó clases magistrales a los participantes, un extraordinario concierto y dentro de su apretada agenda tuvo la gentileza de cedernos unos minutos para esta entrevista junto a nuestro director, Daniel Ravelo, en la que nos habla acerca de algunos puntos escenciales de la interpretación musical.

Queremos agradecer especialmente al comité organizador del evento por facilitarnos el espacio y acceso para esta entrevista.

El músico y su oído: 3 consejos básicos

Todos conocemos la famosa frase “escucha antes de hablar”. En la práctica, muchos conflictos o discusiones entre nuestros similares se deben a malentendidos por no tomar el tiempo necesario de escuchar al otro o, por el contrario, no ser escuchados. Esto ha trascendido en todos los ámbitos sociales; es común ver políticos o famosos gritando a pleno pulmón en debates televisivos, soportar las bocinas sonando desesperadas en el tráfico, vivir en medio del ansia colectiva de estallar en lugar de entender. En medio de una sociedad tan diversa, ágil y caótica, el simple hecho de escuchar se ha convertido en un arte, privilegio de quienes saben hacerlo.

1.- Tu amigo, el oído.

Es interesante saber que el oído es el primero de los 5 sentidos que el ser humano desarrolla antes de nacer. Oír antes que hablar se establece como una jerarquía tanto social como anatómica. Y, por supuesto, también se aplica en el ámbito musical. En el desarrollo artístico de un músico es vital aprender a usar el oído porque ésta será su principal herramienta durante su carrera. Sea un cantante que usa sus cuerdas vocales o un pianista que usa sus manos, a todos los miembros de un ensamble los une un denominador común, el oído. Si está bien entrenado, será el instrumento más objetivo de la banda.

2.- Escucha antes de tocar

Un error muy común en músicos principiantes al momento de tocar repertorio nuevo es que no se detienen a escuchar al menos una pasada de toda la pieza. Lanzar acordes sueltos o los patrones correctos en medio de alguna canción sin conocerla en su totalidad quizá llegue a sonar convincente, mas no profesional. ¿Por qué? Porque tocar una secuencia de acordes o ritmos es algo que cualquier amateur puede hacer. Sin embargo, entender la interacción entre todos los elementos de una canción, identificar sus funciones específicas y conducir su propio instrumento hasta lograr un sonido que lo identifique o que encaje con el grupo sólo lo logra el artista que se escucha a sí mismo y, con la misma dedicación, a los demás.

3.- No sólo es un sonido, es una intención

Este punto es el resultado del anterior, es distinto saber cómo suena un elemento en una canción a reconocer su función dentro de ese contexto. Al igual que en una conversación donde hay un intercambio de información entre dos o más personas, en la música los instrumentos conversan bajo un rol específico. Por ejemplo, el cantante no sólo entona notas, sino cumple con la función de trasmitir un mensaje o una emoción. Por su parte, la batería no sólo marca el ritmo, sino dependiendo de la canción, trasmite energía o calma. Entender la intención de cada artista a través de su sonido, como de cada participante en una conversación, se logra gracias a la atención prestada por el oír. Como reflexión, hay un beneficio mayor al escuchar las máximas referencias posibles y abrir espacios para un resultado más productivo. Si hay alguien que debe ejercer con maestría el arte de escuchar en un mundo lleno de ruidos estridentes o bocinas ansiosas, es el músico.

Intervalos, el alma de la música

“Canción, tú eres vida mía,
y vivirás, vivirás;
y las bocas que te canten,
cantarán eternidad.”

Juan Ramón Jiménez

Más allá de la técnica…

Cuando en lo cotidiano mencionamos intervalo nos referimos siempre a una distancia que suele ser espacial o temporal. Cuando en la música hablamos de un intervalo, nos referimos también a una distancia, pero en este caso a una distancia de altura entre dos sonidos distintos.

Las definiciones típicas de intervalo dicen: “Es la distancia que existe entre dos notas de distinta altura” o “Es la diferencia de altura entre dos sonidos distintos”. Estos conceptos son correctos, sin embargo no nos dicen nada acerca de lo esencial de los intervalos.

¿Qué significado tiene esto para la música? 

Cuando hablamos de distancia de altura entre dos sonidos, significa que lo sustancial resulta ser la sonoridad que se genera entre dos notas distintas; no la altura independiente de las notas en sí, sino la relación sonora que surge entre ellas. Esta relación sonora va a ser siempre la misma en la medida que la distancia entre dos sonidos sea la misma, independientemente de las notas que se utilicen. Dicho en otras palabras: cada intervalo va a tener una manera propia de sonar que va a depender de la distancia de altura específica entre las dos notas que lo conforman y, siempre que la distancia sea la misma, la sonoridad va a ser también la misma, pudiendo aparecer en cualquier registro agudo, intermedio o grave.

Cualquier distancia es factible de ser medida y estandarizada y la distancia de altura entre los sonidos no escapa a este hecho. Del mismo modo que en longitud cien centímetros van a ser siempre un metro (estén donde estén), la distancia de tres tonos y medio entre dos notas (por ejemplo) va a sonar siempre igual en cualquier registro (en este caso nos referimos a una quinta justa).

¿Pero qué significa musicalmente el hecho que tengamos distancias específicas y estables entre la altura de dos sonidos?

Pues que vamos a tener las mismas sonoridades y como estas son estables las podemos nombrar para diferenciarlas.

Todavía existe un hecho adicional, que es en realidad lo fundamental de los intervalos. Cuando escuchan alguna pieza musical ¿no los emociona? ¿no sienten alegría o tristeza, esperanza o desencanto, valentía o temor? Pues esto se debe a que la sonoridad individual de cada intervalo representa, en el fondo, un estado de ánimo. Como ejemplo podríamos mencionar que la sensación de alegría que surge en nuestra alma ante una tercera mayor o de melancolía cuando oímos una tercera menor son indiscutibles. En este sentido podríamos darnos cuenta del importantísimo rol que cumple la música en su facultad de moldear las emociones del alma.

Este es el hecho fundamental. Las obras musicales no se construyen sobre sonidos individuales sino sobre las relaciones entre estos sonidos. De este modo podríamos afirmar que los intervalos constituyen el “alma” de las obras musicales.

En las próximas publicaciones ahondaremos de manera más técnica este tema e intentaremos aclarar algunos de los aspectos que hacen caer en errores comunes a muchos estudiantes de música.

Nuestro año musical 2014

Los duendes de las estadísticas de WordPress.com prepararon un informe sobre el año 2014 de este blog.

Aquí hay un extracto:

La sala de conciertos de la Ópera de Sydney contiene 2.700 personas. Este blog ha sido visto cerca de 14.000 veces en 2014. Si fuera un concierto en el Sydney Opera House, se se necesitarían alrededor de 5 presentaciones con entradas agotadas para que todos lo vean.

Haz click para ver el reporte completo.

e-Learning Musical para Latinoamérica

“Gestiona tu tiempo y hazlo más eficiente, aprende a tu ritmo y forma parte de una comunidad internacional de aprendizaje musical”. Únete y “Sé” Música.

Daniel Ravelo, director de Sé Música, nos habla acerca de la metodología desarrollada para sus cursos y servicios, de las ventajas del sistema, de los proyectos futuros y del curso online de Negocios Musicales.

“Actualmente no es suficiente con saber solamente de música para desarrollar una carrera rentable y sostenible”. ¿Tienes lo que necesitas para lograrlo?. Te invitamos a ver el siguiente video y unirte a este proyecto. ¡Última semana de inscripciones!

Curso auspiciado por el Ministerio de Cultura de Perú, Ibermúsicas y con certificación internacional de la prestigiosa Facultad Conservatorio Souza-Lima (Sao Paulo, Brasil). Más información en: www.semusica.com

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“La música es una fuente generadora de riqueza”

“La música es una fuente generadora de riqueza y forma parte de las industrias culturales y de entretenimiento; si el músico no es consciente de ello, está fuera de la foto. El músico actual necesita de herramientas de gestión que lo hagan competitivo en un mundo globalizado”

Iván Cock, gerente administrativo y productor ejecutivo de empresas dedicadas a la música, el arte y los espectáculos a nivel nacional e internacional, es también el productor estratégico de GianMarco, Marco Romero, Desiré Mandrile y docente principal de nuestro curso online de Negocios Musicales., nos comenta: “La industria musical peruana aún está en pañales,…nos hemos demorado mucho en re-insertarnos en la industria musical.”

En esta entrevista Iván expone algunos de los aspectos fundamentales de la situación actual de nuestra música y el por qué el músico actual debe tener conocimientos que vayan más allá de la mera práctica musical.

Curso auspiciado por el Ministerio de Cultura de Perú, Ibermúsicas y con certificación internacional de la prestigiosa Facultad Conservatorio Souza-Lima (Sao Paulo, Brasil). Más información en: www.semusica.com

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“Los modelos tradicionales dejaron de existir”

Lo que necesitas saber para hacer despegar tu carrera musical.

Juan Alberto Mata, director de ADMusic Consulting, docente en nuestro próximo curso online de Negocios Musicales y especialista en derechos de autor y licencias musicales, nos habla en este video acerca de los problemas actuales de la industria musical y de lo que los músicos actuales necesitan saber para desarrollar sus carreras profesionales de manera rentable.

Una entrevista que podrá orientarte en algunos aspectos esenciales de tu actividad musical profesional:

Curso con certificación internacional de la prestigiosa Facultad Conservatorio Souza-Lima (Sao Paulo, Brasil). Más información en: www.semusica.com

¡Nos renovamos!

¡Queremos contarte acerca de las novedades de nuestro sitio web!

Luego de varias semanas de intenso y apasionante trabajo lanzamos nuestro sitio web renovado con una serie de innovadores servicios tanto para usuarios individuales, como para instituciones de formación musical profesional.

Esta renovación abarca también toda nuestra actividad en redes sociales, incluyendo nuestras publicaciones en este blog. En este sentido queremos agradecerles la paciencia por nuestra ausencia de posts durante las últimas semanas y que ahora retomamos con fuerza.

Queremos invitarte a ser parte de nuestra comunidad de e-Learning Musical. Como usuario registrado en nuestro sitio tendrás acceso a contenido exclusivo y centralizado de nuestra actividad en la web, así como a eventos y ofertas especiales de los cursos que ofreceremos.

En Sé Música brindamos herramientas y servicios innovadores altamente efectivos para la formación musical que esperamos sean de gran utilidad para ti o tu institución. Es importante mencionar que, además de los servicios que ofrecemos para instituciones de formación musical, continuaremos ofreciendo novedosos e interesantes cursos virtuales para usuarios particulares.

Del mismo modo mantendremos la intensidad de nuestra labor en las redes sociales, apoyando el desarrollo de nuevas formas de acercar el aprendizaje musical a más personas. Por ello te invitamos a seguirnos en Twitter: https://twitter.com/semusicacom

Entre las actualizaciones más interesantes de nuestro sitio web se encuentra nuestra sección de noticias, que te permitirá interactuar y aportar tus sugerencias y comentarios a las novedades que vayamos ofreciendo.

Iniciando una nueva etapa de colaboraciones nos complace compartir contigo nuestro reciente convenio con la Facultad Conservatorio Souza-Lima de Brasil, una de las escuelas más prestigiosas en Latinoamérica, con la cual empezamos la realización de una serie de proyectos en conjunto.

Más interactivos y con un principio participativo queremos invitarte a construir con nosotros el futuro de la formación musical de calidad.  http://www.semusica.com

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