#Tip de entonado: Con la tónica en el centro

Un caso típico, en el solfeo entonado, se da al cantar en tonalidades mayores en las que, debido al registro vocal, la tónica nos queda en el centro.

El error más común que solemos cometer es querer cantar, en primer, lugar la escala de la tonalidad y, si acabamos de entonar ejercicios en cualquier otra tonalidad, este paso no suele ser tan sencillo.

Sugerimos el siguiente diseño melódico en Sol Mayor (que puede ser transportado a cualquier otra tonalidad mayor), para entonar ANTES de la escala, en la etapa de preparación previa a la lectura de nuestros solfeos.

Tips - Solfeo entonado con la tónica en el centro-1

En este ejercicio, predomina el movimiento tónica-dominante-tónica que es el que mejor nos ubica en la tonalidad. Fíjense que lo primero que hacemos es establecer nuestra SENSIBLE TONAL, seguido de un movimiento descendente hacia la dominante y regreso a la tónica. Con ello tenemos definido inmediatamente el tono principal de la escala, mas no el modo (hasta aquí este ejemplo podría ser válido también para una escala menor). Por ello continuamos con un movimiento hacia el tercer grado que, en su función de sensible modal, nos dará claramente el ambiente armónico de la tonalidad mayor.

Finalizamos con un salto ascendente hacia la dominante y descendemos por grados conjuntos hacia la tónica. ¡Voilá! se encuentran perfectamente ubicados en la tonalidad mayor que deseen.

En síntesis los pasos para abordar un ejercicio de solfeo entonado serían:

1. Realizar este ejercicio.
2. Entonar la escala.
3. Entonar las triadas principales de la tonalidad.
4. Recién leer su partitura de solfeo entonado

Espero que les sirva de ayuda.

PD. No recomendamos este diseño para el modo menor. Ya les brindaremos tips para ello.

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3 Habilidades básicas para el Solfeo Entonado

En la formación musical, de manera frecuente nos enfrentamos a las dificultades que nos presentan los ejercicios de solfeo entonado y de la misma manera abordamos cada uno de ellos en batallas individuales para poder resolverlos, o en el peor de los casos, memorizarlos.

Por lo general pasamos por alto lo obvio: que dichos ejercicios son melodías y como tales comparten algunos parámetros comunes y que a partir de ellos podemos desarrollar algunas habilidades que nos ayudarán a resolver cualquier ejercicio tonal al que nos enfrentemos.

Teniendo esto en cuenta les ayudaremos a desarrollar 3 habilidades básicas con las que tendrán ganado cerca del 90% de cualquier ejercicio de solfeo entonado que deban que realizar. Como aclaración, los siguientes puntos se aplican a ejercicios dentro del sistema tonal, los ejercicios propuestos están ejemplificados en la tonalidad de Do mayor, pero con facilidad e ingenio pueden ser aplicados en cualquier tonalidad.

1.- Dominar el entonado de la escala por Grados Conjuntos

Es decir, de nota a nota y sin realizar saltos. No nos referimos únicamente a la clásica fórmula de entonar la escala de ida y vuelta, sino a dominar el poder ir y venir, de manera muy afinada, en cualquier orden y dirección sobre las notas de la escala, sin realizar saltos entre ellas. Por lo general, las melodías poseen un fuerte componente de movimiento por grados conjuntos entre sus notas, por lo cual, el dominar esta habilidad, hará que de manera automática tengas resuelto gran parte de cualquier ejercicio de solfeo entonado que debas realizar.

A manera de fortalecimiento de esta habilidad proponemos el siguiente ejercicio que puede ser realizado hasta con 3 voces en canon (esto ayuda a fijar con mayor fuerza las notas en nuestro oído interno):

1.- Grados conjuntos-1

En el ejercicio previo se ha tenido en cuenta también que las inflexiones se realicen en puntos que resultan claves para la correcta afinación de la tonalidad.

2.- Dominar el entonado de la escala por Terceras

Es el segundo movimiento melódico por excelencia dentro de un contexto tonal, ya que las triadas que se forman en la tonalidad se construyen por superposición de terceras mayores y menores; con lo cual resulta lógico que este movimiento aparezca con mucha frecuencia en las melodías.

Para desarrollar esta habilidad proponemos 2 ejercicios. El primero aprovecha el movimiento por grados conjuntos para entonar las terceras de manera intuitiva. Dicho ejercicio consiste en entonar 3 notas por grados conjuntos y luego entonar la primera nota de esas 3, recordando su afinación. Esto se realiza sobre cada nota de la escala tanto en su forma ascendente como descendente:

2.- Grados conjuntos y terceras-1

Este ejercicio previo también se puede realizar a 3 voces en canon.

 

El segundo ejercicio consiste en entonar directamente la escala por terceras, tanto en su forma ascendente como descendente. También es aconsejable practicarlo a 2 y 3 voces en canon:

3.- Terceras-1

3.- Dominar el entonado de las Triadas de la Tonalidad

Al menos varias de ellas. No debemos olvidar que las melodías a las que nos estamos refiriendo se encuentran enmarcadas en la tonalidad y como tal los movimientos se darán dentro de este contexto, utilizando las triadas y las relaciones que se originan en las diversas funciones tonales.

Para desarrollar esta habilidad proponemos dos versiones de un mismo ejercicio. La primera versión consiste en entonar arpegios ascendentes en la escala ascendente y arpegios descendentes en la escala descendente, de la siguiente manera:

4.- Arpegios 1-1

La segunda versión es una inversión del ejercicio previo, en donde se deben entonar arpegios descendentes en la escala ascendente y arpegios ascendentes en la escala descendente, de la siguiente manera:

4.- Arpegios 2-1

Noten además que el entonado de cuartas (incluido el tritono) y de sextas se da de manera natural en cada uno de estos ejercicios al avanzar de una triada a otra (al pasar de la última nota de un compás a la primera nota del compás siguiente), y es así como aparecen también estos intervalos en una línea melódica: en un cambio de triadas fundamentado en un principio armónico tonal.

Queremos mencionar que las 3 habilidades presentadas no son las únicas necesarias en la formación musical del solfeo entonado, pero sí indicar que son las fundamentales y que sobre ellas se puede construir un aprendizaje sólido que ayude a la comprensión profunda de la música.

En próximas publicaciones continuaremos ahondando en este tema y brindando mayores alcances al respecto, en especial abordaremos el tema de cómo la comprensión armónica puede ayudarnos en la formación de estas habilidades y de la comprensión de la música. Mientras tanto, esperamos que este post les sirva de ayuda tanto en su actividad docente, como de estudiante y les agradeceríamos que comenten sus impresiones, experiencias o consultas y que compartan esta publicación en sus redes sociales.

¡Hasta la próxima!

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Síncopas y Estilos Musicales

Las síncopas se agrupan dentro de la categoría que conocemos como acentos irregulares, junto a los contratiempos; dichos acentos suceden cuando un sonido inicia en un tiempo débil (o parte débil de un tiempo) y se prolongan hacia un tiempo fuerte (o parte fuerte de un tiempo).

Este concepto, en apariencia tan sencillo, presenta verdaderos retos a la comprensión de la interpretación musical y resulta determinante al momento de ejecutar de manera correcta diversos estilos musicales.

En LEAmaníacos hicimos un par de preguntas sencillas acerca de este tema y la cantidad de respuestas equivocadas ha sido alarmante, sobre todo si tenemos en cuenta que muchas de éstas vinieron de músicos profesionales o en formación profesional.

Por ello decidimos ir un paso más allá y brindamos un webinar gratuito para profundizar este tema. Comprendemos que muchas de las formaciones modernas de música carecen del tiempo necesario para abordar algunos temas en su verdadera dimensión y desde este espacio buscamos colocar nuestro granito de arena en pos de la formación musical. Por ello queremos invitarlos a ver la grabación de dicho webinar. Les agradecemos comentar y compartir este post. Mira el webinar haciendo clic en:

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https://www.bigmarker.com/semusicaclases/S-ncopas-y-Estilos-Musicales/

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Una pregunta, demasiadas respuestas

Hace pocos días publicamos las siguientes preguntas relacionadas a las síncopas, en nuestro Fan Page LEAmaníacos, en las que pedíamos identificarlas:

Síncopa - pregunta 1

Y también:

Síncopa - pregunta 2

Ha sido impresionante la cantidad de respuestas equivocadas que hemos recibido al respecto y la poca claridad acerca del concepto mismo de lo que son las síncopas. Lo más llamativo reside en que las síncopas tienen una manera propia de ser ejecutadas, que en muchos casos van a ser determinantes para darle el sentido correcto a diversos estilos musicales, y si no se la conoce corremos el riesgo de perder mucho dinero en horas de grabaciones en estudio para lograr la interpretación correcta de una canción.

Teniendo en cuenta que sólo existe una respuesta correcta para cada una de las preguntas planteadas, la diversidad de comentarios nos ha llamado la atención y hemos decidido dar una conferencia online gratuita para aclarar este tema este sábado 24 de junio a las 10:30 am. (Hora de Perú y Colombia).

Para participar sólo debes llenar el siguiente formulario y compartir este post en tu muro de Facebook:

Te dejamos una pregunta más y !nos vemos este sábado!:

Pregunta síncopa 3-1

¿Qué dices al respecto?
¡Comenta tus respuestas en este post!

También te puede interesar ver las respuestas en: Síncopas y Estilos Musicales

Técnicas Contemporáneas de Improvisación

¿Qué es improvisar?

Leopoldo Calderón (Colombia) y Alejandro Demogli (Argentina), dos de los más importantes guitarristas latinoamericanos de jazz de la actualidad, son parte del #TeamPro de Sé Música y nos responden:

Leopoldo Calderón:

“Improvisar es enunciar un discurso identitario. Es un acto comunicativo desde el cual me muestro al mundo como soy, como pienso, como siento frente a un momento o contexto específico (la música también obedece a contextos, como un idioma). La materia prima para este discurso “espontáneo” será el bagaje de unidades lingüísticas (licks, escalas, arpegios) y la capacidad de articularlos de manera casi inmediata, en una extraña y maravillosa precognición de lo que voy a tocar, del sonido que voy a producir a través de mi instrumento.

Se aprende y fortalece como un lenguaje. Todo lo que se necesita, al igual que el aprendizaje de una lengua extranjera, es inmersión. Especialmente con todo lo relacionado con los procesos auditivos; muchas veces la improvisación queda en las manos. Una característica común de los grandes improvisadores es la cualidad discursiva de lo que tocan, casi como si pudiera escucharse lo que piensan mientras ejecutan su instrumento. Hay que escuchar mucha música, no en el sentido de la “cantidad”, sino en la cualidad activa durante la escucha misma. Transcribir sin el instrumento, enriquecer y refrescar ideas, conectar; cuando improvisas y eres bueno, literalmente lo último que haces es tocar tu instrumento”.

Escucha a Leopoldo en:

Alejandro Demogli:

“Improvisar es un proceso de composición espontánea; así como el compositor tiene todo el tiempo del mundo para poder pensar una melodía, una armonía, una rítmica y escribir sobre eso, el improvisador tiene que resolver todos esos problemas en tiempo real. Con lo cual podría sintetizar que la cabeza de un buen improvisador debería ser la cabeza de un compositor; por eso es tan importante conocer muy de cerca y de la manera más profunda posible todos los recursos armónicos y melódicos, es decir que la cuestión teórica de la música tiene que estar resuelta”.

Escucha a Ale en:

¿Quieres aprender más a fondo con estos grandes maestros?

Te invitamos a inscribirte en la conferencia online que darán este 26 de Abril con Sé Música:

Afiche Ale y Leo

Más información en: http://www.semusica.com/tecnicascontemporaneasdeimprovis

Comenta con el Hashtag: #ImprovisarEs

Arreglos, sin desarreglos

Desde siempre el reversionamiento de canciones ha sido parte de nuestra actividad musical, tanto para dotar de aire fresco a una obra como para brindar una mirada muy personal acerca de la misma.

Como oyentes muchas veces nos encontramos enfrentados a escuchar nuevos enfoques de algunos de nuestros temas más preciados y que por lo general dividen a la audiencia entre #lovers y #haters de la nueva versión, reavivando la continua polémica que sostiene que la música, al ser un arte “no terminado”, es suceptible de ser transformado bajo una mirada personalizada de un arreglista, versus la defensa de preservar el valor original del pensamiento del autor.

Si bien esta polémica resulta justa, en lo que se refiere a los arreglos musicales podemos encontrar un criterio tácito al momento de valorarlos, que podríamos abordar desde la siguiente pregunta:

¿El arreglo mantiene la esencia del pensamiento original del compositor?

  • Si la respuesta es NO, es aquí donde nos sentimos engañados, indigandos y consideramos al arreglista como un oportunista usurpador que busca lograr un provecho propio a costa del trabajo de otra persona.
  • Si la respuesta es Sí, nos sorprendemos  y entusiasmamos por la habilidad del arreglista que logra mostrar un enfoque musical propio, respetando profundamente el pensamiento del autor, convirtiendo su producción musical en un homenaje a éste.

Esto último es lo que sucede con “Unity-Homenaje Latino a Michael Jackson”, una producción que logra de manera inaudita una nueva mirada a 12 de los principales temas del “Rey del Pop”, en una variedad de estilos latinos como la salsa, bachata, cha cha chá, landó, etc. sin que éstos pierdan la esencia de las canciones originales.

¿Cómo se logra esto?

Pues con conocimiento, respeto, cariño y mucho trabajo. Tony Succar, arreglista y productor del disco ha logrado un equilibrio importante entre ritmos latinos y las canciones escogidas, mostrando un manejo amplio de la armonía, contrapunto y demás elementos formales del trabajo, pero sobre todo con un criterio y desempeño impecable tanto en los arreglos como en la producción misma, en la cual ha logrado reunir a más de 100 grandes artistas de la talla de Tito Nieves, Jon Secada, La India, Jean Rodríguez, entre otros.

En torno a este tema Tony Succar estará brindando un webinar (videoconferencia online) en español de Arreglos Musicales el 26 de Octubre en Sé Música,  en el que hablará no de la técnica, sino de los criterios, de lo que resulta fundamental al momento de abordar un arreglo. Sin duda un evento imperdible para todos los que nos dedicamos a este arte. Al respecto pueden encontrar mayos información en: http://www.semusica.com/tonysuccar

Invitación de Tony:

¡Nos vemos el 26 de Octubre!

Escucha el disco en: https://open.spotify.com/album/5taPiSjk0tbVCzqV7H9xMJ

 

¡Óscar Stagnaro en Directo! ¡Hoy!

El gran Óscar Stagnaro estrá en una entrevista en directo con nosotrs en donde nos contará acerca de sus proyectos más recientes y el éxito de Bass en Vivo.

Reserva gratis tu spot en:    Reserva tu SPOT

“El estilo mismo define las fronteras de la libertad del intérprete”

Entrevista a Eduardo Fernández

“Cada obra posee una verdad,
que será subjetiva o elusiva,
pero hay que buscarla.
La ética del intérprete consiste en
acercarse lo más posible a esa verdad”
Eduardo Fernández

Eduardo Fernández, uno de los mayores referentes actuales de la guitarra clásica en el mundo, estuvo de paso por la ciudad de Lima dentro del marco de la I Temporada Internacional de Guitarra Clásica organizada por el Conservatorio Nacional de Música.

Fueron días intensos en los que el maestro brindó clases magistrales a los participantes, un extraordinario concierto y dentro de su apretada agenda tuvo la gentileza de cedernos unos minutos para esta entrevista junto a nuestro director, Daniel Ravelo, en la que nos habla acerca de algunos puntos escenciales de la interpretación musical.

Queremos agradecer especialmente al comité organizador del evento por facilitarnos el espacio y acceso para esta entrevista.

El músico y su oído: 3 consejos básicos

Todos conocemos la famosa frase “escucha antes de hablar”. En la práctica, muchos conflictos o discusiones entre nuestros similares se deben a malentendidos por no tomar el tiempo necesario de escuchar al otro o, por el contrario, no ser escuchados. Esto ha trascendido en todos los ámbitos sociales; es común ver políticos o famosos gritando a pleno pulmón en debates televisivos, soportar las bocinas sonando desesperadas en el tráfico, vivir en medio del ansia colectiva de estallar en lugar de entender. En medio de una sociedad tan diversa, ágil y caótica, el simple hecho de escuchar se ha convertido en un arte, privilegio de quienes saben hacerlo.

1.- Tu amigo, el oído.

Es interesante saber que el oído es el primero de los 5 sentidos que el ser humano desarrolla antes de nacer. Oír antes que hablar se establece como una jerarquía tanto social como anatómica. Y, por supuesto, también se aplica en el ámbito musical. En el desarrollo artístico de un músico es vital aprender a usar el oído porque ésta será su principal herramienta durante su carrera. Sea un cantante que usa sus cuerdas vocales o un pianista que usa sus manos, a todos los miembros de un ensamble los une un denominador común, el oído. Si está bien entrenado, será el instrumento más objetivo de la banda.

2.- Escucha antes de tocar

Un error muy común en músicos principiantes al momento de tocar repertorio nuevo es que no se detienen a escuchar al menos una pasada de toda la pieza. Lanzar acordes sueltos o los patrones correctos en medio de alguna canción sin conocerla en su totalidad quizá llegue a sonar convincente, mas no profesional. ¿Por qué? Porque tocar una secuencia de acordes o ritmos es algo que cualquier amateur puede hacer. Sin embargo, entender la interacción entre todos los elementos de una canción, identificar sus funciones específicas y conducir su propio instrumento hasta lograr un sonido que lo identifique o que encaje con el grupo sólo lo logra el artista que se escucha a sí mismo y, con la misma dedicación, a los demás.

3.- No sólo es un sonido, es una intención

Este punto es el resultado del anterior, es distinto saber cómo suena un elemento en una canción a reconocer su función dentro de ese contexto. Al igual que en una conversación donde hay un intercambio de información entre dos o más personas, en la música los instrumentos conversan bajo un rol específico. Por ejemplo, el cantante no sólo entona notas, sino cumple con la función de trasmitir un mensaje o una emoción. Por su parte, la batería no sólo marca el ritmo, sino dependiendo de la canción, trasmite energía o calma. Entender la intención de cada artista a través de su sonido, como de cada participante en una conversación, se logra gracias a la atención prestada por el oír. Como reflexión, hay un beneficio mayor al escuchar las máximas referencias posibles y abrir espacios para un resultado más productivo. Si hay alguien que debe ejercer con maestría el arte de escuchar en un mundo lleno de ruidos estridentes o bocinas ansiosas, es el músico.

Intervalos, el alma de la música

“Canción, tú eres vida mía,
y vivirás, vivirás;
y las bocas que te canten,
cantarán eternidad.”

Juan Ramón Jiménez

Más allá de la técnica…

Cuando en lo cotidiano mencionamos intervalo nos referimos siempre a una distancia que suele ser espacial o temporal. Cuando en la música hablamos de un intervalo, nos referimos también a una distancia, pero en este caso a una distancia de altura entre dos sonidos distintos.

Las definiciones típicas de intervalo dicen: “Es la distancia que existe entre dos notas de distinta altura” o “Es la diferencia de altura entre dos sonidos distintos”. Estos conceptos son correctos, sin embargo no nos dicen nada acerca de lo esencial de los intervalos.

¿Qué significado tiene esto para la música? 

Cuando hablamos de distancia de altura entre dos sonidos, significa que lo sustancial resulta ser la sonoridad que se genera entre dos notas distintas; no la altura independiente de las notas en sí, sino la relación sonora que surge entre ellas. Esta relación sonora va a ser siempre la misma en la medida que la distancia entre dos sonidos sea la misma, independientemente de las notas que se utilicen. Dicho en otras palabras: cada intervalo va a tener una manera propia de sonar que va a depender de la distancia de altura específica entre las dos notas que lo conforman y, siempre que la distancia sea la misma, la sonoridad va a ser también la misma, pudiendo aparecer en cualquier registro agudo, intermedio o grave.

Cualquier distancia es factible de ser medida y estandarizada y la distancia de altura entre los sonidos no escapa a este hecho. Del mismo modo que en longitud cien centímetros van a ser siempre un metro (estén donde estén), la distancia de tres tonos y medio entre dos notas (por ejemplo) va a sonar siempre igual en cualquier registro (en este caso nos referimos a una quinta justa).

¿Pero qué significa musicalmente el hecho que tengamos distancias específicas y estables entre la altura de dos sonidos?

Pues que vamos a tener las mismas sonoridades y como estas son estables las podemos nombrar para diferenciarlas.

Todavía existe un hecho adicional, que es en realidad lo fundamental de los intervalos. Cuando escuchan alguna pieza musical ¿no los emociona? ¿no sienten alegría o tristeza, esperanza o desencanto, valentía o temor? Pues esto se debe a que la sonoridad individual de cada intervalo representa, en el fondo, un estado de ánimo. Como ejemplo podríamos mencionar que la sensación de alegría que surge en nuestra alma ante una tercera mayor o de melancolía cuando oímos una tercera menor son indiscutibles. En este sentido podríamos darnos cuenta del importantísimo rol que cumple la música en su facultad de moldear las emociones del alma.

Este es el hecho fundamental. Las obras musicales no se construyen sobre sonidos individuales sino sobre las relaciones entre estos sonidos. De este modo podríamos afirmar que los intervalos constituyen el “alma” de las obras musicales.

En las próximas publicaciones ahondaremos de manera más técnica este tema e intentaremos aclarar algunos de los aspectos que hacen caer en errores comunes a muchos estudiantes de música.