#Tip de entonado: Con la tónica en el centro

Un caso típico, en el solfeo entonado, se da al cantar en tonalidades mayores en las que, debido al registro vocal, la tónica nos queda en el centro.

El error más común que solemos cometer es querer cantar, en primer, lugar la escala de la tonalidad y, si acabamos de entonar ejercicios en cualquier otra tonalidad, este paso no suele ser tan sencillo.

Sugerimos el siguiente diseño melódico en Sol Mayor (que puede ser transportado a cualquier otra tonalidad mayor), para entonar ANTES de la escala, en la etapa de preparación previa a la lectura de nuestros solfeos.

Tips - Solfeo entonado con la tónica en el centro-1

En este ejercicio, predomina el movimiento tónica-dominante-tónica que es el que mejor nos ubica en la tonalidad. Fíjense que lo primero que hacemos es establecer nuestra SENSIBLE TONAL, seguido de un movimiento descendente hacia la dominante y regreso a la tónica. Con ello tenemos definido inmediatamente el tono principal de la escala, mas no el modo (hasta aquí este ejemplo podría ser válido también para una escala menor). Por ello continuamos con un movimiento hacia el tercer grado que, en su función de sensible modal, nos dará claramente el ambiente armónico de la tonalidad mayor.

Finalizamos con un salto ascendente hacia la dominante y descendemos por grados conjuntos hacia la tónica. ¡Voilá! se encuentran perfectamente ubicados en la tonalidad mayor que deseen.

En síntesis los pasos para abordar un ejercicio de solfeo entonado serían:

1. Realizar este ejercicio.
2. Entonar la escala.
3. Entonar las triadas principales de la tonalidad.
4. Recién leer su partitura de solfeo entonado

Espero que les sirva de ayuda.

PD. No recomendamos este diseño para el modo menor. Ya les brindaremos tips para ello.

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Síncopas y Estilos Musicales

Las síncopas se agrupan dentro de la categoría que conocemos como acentos irregulares, junto a los contratiempos; dichos acentos suceden cuando un sonido inicia en un tiempo débil (o parte débil de un tiempo) y se prolongan hacia un tiempo fuerte (o parte fuerte de un tiempo).

Este concepto, en apariencia tan sencillo, presenta verdaderos retos a la comprensión de la interpretación musical y resulta determinante al momento de ejecutar de manera correcta diversos estilos musicales.

En LEAmaníacos hicimos un par de preguntas sencillas acerca de este tema y la cantidad de respuestas equivocadas ha sido alarmante, sobre todo si tenemos en cuenta que muchas de éstas vinieron de músicos profesionales o en formación profesional.

Por ello decidimos ir un paso más allá y brindamos un webinar gratuito para profundizar este tema. Comprendemos que muchas de las formaciones modernas de música carecen del tiempo necesario para abordar algunos temas en su verdadera dimensión y desde este espacio buscamos colocar nuestro granito de arena en pos de la formación musical. Por ello queremos invitarlos a ver la grabación de dicho webinar. Les agradecemos comentar y compartir este post. Mira el webinar haciendo clic en:

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https://www.bigmarker.com/semusicaclases/S-ncopas-y-Estilos-Musicales/

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Una pregunta, demasiadas respuestas

Hace pocos días publicamos las siguientes preguntas relacionadas a las síncopas, en nuestro Fan Page LEAmaníacos, en las que pedíamos identificarlas:

Síncopa - pregunta 1

Y también:

Síncopa - pregunta 2

Ha sido impresionante la cantidad de respuestas equivocadas que hemos recibido al respecto y la poca claridad acerca del concepto mismo de lo que son las síncopas. Lo más llamativo reside en que las síncopas tienen una manera propia de ser ejecutadas, que en muchos casos van a ser determinantes para darle el sentido correcto a diversos estilos musicales, y si no se la conoce corremos el riesgo de perder mucho dinero en horas de grabaciones en estudio para lograr la interpretación correcta de una canción.

Teniendo en cuenta que sólo existe una respuesta correcta para cada una de las preguntas planteadas, la diversidad de comentarios nos ha llamado la atención y hemos decidido dar una conferencia online gratuita para aclarar este tema este sábado 24 de junio a las 10:30 am. (Hora de Perú y Colombia).

Para participar sólo debes llenar el siguiente formulario y compartir este post en tu muro de Facebook:

Te dejamos una pregunta más y !nos vemos este sábado!:

Pregunta síncopa 3-1

¿Qué dices al respecto?
¡Comenta tus respuestas en este post!

También te puede interesar ver las respuestas en: Síncopas y Estilos Musicales

Técnicas Contemporáneas de Improvisación

¿Qué es improvisar?

Leopoldo Calderón (Colombia) y Alejandro Demogli (Argentina), dos de los más importantes guitarristas latinoamericanos de jazz de la actualidad, son parte del #TeamPro de Sé Música y nos responden:

Leopoldo Calderón:

“Improvisar es enunciar un discurso identitario. Es un acto comunicativo desde el cual me muestro al mundo como soy, como pienso, como siento frente a un momento o contexto específico (la música también obedece a contextos, como un idioma). La materia prima para este discurso “espontáneo” será el bagaje de unidades lingüísticas (licks, escalas, arpegios) y la capacidad de articularlos de manera casi inmediata, en una extraña y maravillosa precognición de lo que voy a tocar, del sonido que voy a producir a través de mi instrumento.

Se aprende y fortalece como un lenguaje. Todo lo que se necesita, al igual que el aprendizaje de una lengua extranjera, es inmersión. Especialmente con todo lo relacionado con los procesos auditivos; muchas veces la improvisación queda en las manos. Una característica común de los grandes improvisadores es la cualidad discursiva de lo que tocan, casi como si pudiera escucharse lo que piensan mientras ejecutan su instrumento. Hay que escuchar mucha música, no en el sentido de la “cantidad”, sino en la cualidad activa durante la escucha misma. Transcribir sin el instrumento, enriquecer y refrescar ideas, conectar; cuando improvisas y eres bueno, literalmente lo último que haces es tocar tu instrumento”.

Escucha a Leopoldo en:

Alejandro Demogli:

“Improvisar es un proceso de composición espontánea; así como el compositor tiene todo el tiempo del mundo para poder pensar una melodía, una armonía, una rítmica y escribir sobre eso, el improvisador tiene que resolver todos esos problemas en tiempo real. Con lo cual podría sintetizar que la cabeza de un buen improvisador debería ser la cabeza de un compositor; por eso es tan importante conocer muy de cerca y de la manera más profunda posible todos los recursos armónicos y melódicos, es decir que la cuestión teórica de la música tiene que estar resuelta”.

Escucha a Ale en:

¿Quieres aprender más a fondo con estos grandes maestros?

Te invitamos a inscribirte en la conferencia online que darán este 26 de Abril con Sé Música:

Afiche Ale y Leo

Más información en: http://www.semusica.com/tecnicascontemporaneasdeimprovis

Comenta con el Hashtag: #ImprovisarEs

¡Óscar Stagnaro en Directo! ¡Hoy!

El gran Óscar Stagnaro estrá en una entrevista en directo con nosotrs en donde nos contará acerca de sus proyectos más recientes y el éxito de Bass en Vivo.

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El CÓMO es más importante que el QUÉ | 8 Consejos para tu estudio

A propósito del reciente post de nuestra colaboradora Larissa Chirinos (5 Hábitos recomendables mientras estudias música), recordé que a menudo me preguntan acerca de cuáles son los ejercicios y repertorio adecuados para determinado momento del aprendizaje musical. Recordé tener el mismo cuestionamiento en mi etapa de estudiante y, gracias a los estupendos maestros que tuve, entendí que más allá del contenido musical que decidamos utilizar, la manera en la que enfocamos nuestro estudio será la que determine los resultados alcanzados.

¿Te ha sucedido que pasas horas estudiando ejercicios de técnica sin ningún resultado y algún compañero que realiza los mismos ejercicios alcanza resultados distintos? ¿Acaso no es el mismo contenido? ¿Por qué los resultados son tan diferentes?

He aquí el epicentro de la cuestión: la manera en la que abordan el estudio es distinta. Aunque este aspecto resulta importante no vamos a sugerir que exista una sola forma de estudiar ya que no todos aprendemos de igual manera. Lo que sí podemos establecer, a manera de guía general, es una serie de consejos que te permitirá personalizar de manera efectiva tus rutinas de estudio:

  1. El Nivel

    Tener claro en que etapa del dominio de tu instrumento te encuentras es lo primero. No porque debas limitarte a ejercicios y repertorio del mismo, sino para que puedas establecer con claridad los objetivos de aprendizaje y los siguientes pasos a dar. Es válido escoger obras más complejas o sencillas para estudiar siempre y cuando se sepa el propósito de aprendizaje que se busca. Esto puede evitar frustraciones tempranas que podrían surgir al no cubrir las expectativas que teníamos.

  2. La Pertinencia

    Parece obvio, pero si en determinado momento se desea, por ejemplo, dominar los arpegios, el estudio de escalas o articulaciones no sea lo más adecuado. En otro sentido, instrumentos similares no son lo mismo y a menudo requieren de técnicas y enfoques diferentes. Por ejemplo un guitarrista flamenco debe realizar una preparación muy distinta a uno de blues o de guitarra clásica. Este punto tiene una íntima relación al estilo de música al cual uno desea dedicarse.

  3. El Momento

    No todas las personas tienen el mismo reloj biológico; incluso una misma persona puede variar dicho reloj en el tiempo. Algunas personas se sienten con mayor capacidad de concentración temprano por las mañanas, otras sin embargo poseemos un mayor grado de actividad física y mental por las noches. Recuerdo un periodo largo, en mi época de estudiante, en el que me era muy fácil estudiar de 9 de la noche hasta las 3 o 4 de la mañana. Nota: Desaconsejamos este horario para percusionistas, trompetistas y todos los bronces en general, a menos que residan lejos de la civilización.

  4. La Rutina

    En el mejor sentido del término, es nuestro mejor aliado para aprender de manera efectiva. Entiéndase como una serie de actividades de aprendizaje a las cuales se les asigna tiempos específicos en un orden establecido. Rutina es orden, orden es rítmo y nuestro organismo completo es rítmico.  Por ello la repetición ordenada de nuestras actividades por lo general nos dará los mejores frutos.

  5. El Método

    Es decir la manera de abordar toda la sesión de estudio. Por regla general empezaremos realizando un estiramiento corporal de leve intensidad, seguido de los ejercicios de técnica que realicemos como calentamiento. Luego distribuimos los temas de nuestro repertorio con una lógica en la cual le designamos mayor tiempo de estudio a las obras o pasajes más complejos y menor tiempo a los más sencillos. Es un error muy común entusiasmarse interpretando lo que “nos sale bien” y dejar de lado lo que nos causa problemas. Intenta hacer lo contrario: dedícale más tiempo a lo más complejo de tu repertorio y estúdialo ¡¡LENTO!!. Al respecto recuerdo 2 frases de uno de mis maestros: “Mientras más rápido quieras llegar a tocar, más lento debes estudiar” y “Cuando creas que ya estás estudiando lento ten por seguro que aún está muy rápido, ve más LENTO aún”. Nunca podré agradecer lo suficiente estos dos consejos. Es conveniente cerrar la sesión de estudio refrescando manos y brazos y si estudiaste varias horas podrías aplicarte algún aceite para masajes.

  6. Ten Paciencia

    Este punto deviene del anterior. Aunque algunas personas aprendan un poco más rápido que otras, todas aprenden y toma TIEMPO. Los logros no se dan de la noche a la mañana, debes saber que para que suenes tan bien como ese músico que tanto admiras vas a recorrer un largo camino. No te desesperes por querer hacer todo de una sola vez, tómate tu tiempo, estudia mucho y disfruta el viaje.

  7. Sé Perseverante

    No te desanimes nunca. Estudia, repite, aprende de tus errores, trabaja en corregirlos, continúa; el camino no es sencillo pero es transitable. Tomará tiempo y esfuerzo pero llegarás a donde te propongas.

  8. Ten un Ritual propio

    Tranquilo, no es nada místico ni mágico. Con la cantidad de distracciones con las que contamos en la actualidad empezar a estudiar puede ser lo más complicado de lograr. Por ello desarrollar una ruta personal que nos permita entrar en un estado de concentracion resulta de gran ayuda. Algunas personas con caminar 15 minutos por la calle y tomarse un buen café ya se encuentran listas, otras requieren de escuchar un poco de música o de tocar uma obra de su músico favorito. En fin, puede ser cualquier cosa que te guste, te haga sentir bien y te prepare el ánimo para tu jornada de estudio.

Estudiar algún instrumento musical puede llegar a ser muy frustrante si uno se siente atascado en su avance. Por ello hemos querido brindarte estos consejos para que logres personalizar tu forma de aprender y disfrutes el camino que conduce hacia tus sueños y metas.

Cuéntanos: ¿Tú cómo estudias?

5 Hábitos recomendables mientras estudias música

Si estás pensando en ser un músico profesional o posiblemente estás comenzando a estudiar una carrera concerniente a la música, encontrarás este artículo interesante. Como toda carrera, la música requiere mucha disciplina y constante dedicación. Contraria a la mediática imagen del típico músico bohemio o descuidado, los músicos usualmente tienen una agenda cargada y muchas horas de sueño sacrificadas por su trabajo. Sea cual sea la especialización que elijas como ejecutor, arreglista e incluso producto musical, habrá mucho tiempo de estudio invertido. Por ello les recomendamos algunos hábitos de estudio para sacar el máximo provecho a lo aprendido en clase.

  1. Ensaya, ensaya y ensaya

    El tiempo que dediques a tu instrumento es vital para conocer tu propio sonido. Hay una gran diferencia entre escuchar un músico que ensaya y otro que recién descubre lo que puede lograr a la hora de la presentación. Pase lo que pase en el día, no dejes de ensayar porque esas horas de práctica se traducirán en excelencia más adelante. Además, el estilo personal de cada músico se descubre en los ensayos antes que en un escenario. Por ello, mientras más horas de ensayo, mejor performance.

  2. Escucha todo género musical

    Actualmente, hay ciertos estilos musicales discriminados (menciono frases comunes como: “yo no escucho cumbia limeña porque es huachafa”) o incluso estilos temidos (“no encuentro sentido en la música dodecafónica”). A veces es más valioso dejar a un lado nuestras preferencias musicales para poder apreciar otros elementos que enriquecen un género que logra identificar a otro grupo de personas. Salir de nuestra área de comodidad nos ayuda a ganar otras experiencias, otros músicos y conocer otra cultura a través de su sonido.

  3. Reúnete con otros músicos

    Observar el estilo de músicos compañeros de carrera en jam sessions o intercambiar puntos de vista es altamente constructivo para la formación musical. Quizá todos estén aún en un mismo nivel de aprendizaje, pero las experiencias y opiniones sobre temas musicales nunca serán iguales. Y eso es lo interesante. La música es un trabajo colectivo, aprender a trabajar en equipo es fundamental en esta carrera, por ello es mejor afianzar lazos de amistad con futuros compañeros de trabajo, y en muchos casos, amigos.

  4. Asiste a conciertos

    No hay nada que iguale la experiencia de ver en vivo a músicos profesionales o nuestras bandas favoritas. Poder ver plasmado en un escenario todo un trabajo de producción seria o, con el mismo respeto, apreciar la sencillez del recital de un solista nos da distintos panoramas de adonde podemos llegar con nuestro trabajo. En muchos casos, esa hora en la que podemos ver en acción a un artista en vivo, captar detalles como su postura, su comunicación con la audiencia o su técnica entre otros aspectos, puede ser mucho más valiosa que cualquier hora de clase teórica.

  5. No temas preguntar

    Tener a un buen profesor disponible es un privilegio que solo durará el tiempo de preparación, así que no malgastes las clases revisando tu celular. Recomiendo identificar las materias que son de interés, porque definitivamente habrán cursos más interesantes que otros, e investigar sobre el tema previamente. Como consecuencia, tendrás preguntas preparadas de antemano, otras perspectivas del tema repasadas con anterioridad y no irás a clase a enterarte recién del tema.

    Al forjar estos hábitos a lo largo de la carrera musical, se podrá adquirir más elementos que ayuden a destacar nuestras habilidades y experiencia. En la música más que en otras carreras, siempre se aprenden cosas nuevas y debemos estar preparados para obtener esa información y canalizarla en nuestro trabajo.

“Nada hay tan poderoso como el ritmo”

En esta ocasión compartimos con ustedes unas reflexiones acerca del ritmo realizados por nuestro querido amigo y distinguido músico: Pancho Vallejos desde su cuenta de Facebook:
“Todo lo que existe tiene ritmo, desde los movimientos de los planetas hasta las partículas más ínfimas del mundo, y vivimos por el ritmo de la inspiración y de la expiración así como el ritmo del día y de la noche. El ritmo nos ordena, nos da vida, lo tenemos desde que funciona nuestro corazón. “Las formas superiores del ritmo – espirituales e intelectuales – se cumple a través de la propia vida y de una práctica basada en el instinto”, como también de una educación. Significa, el lenguaje de la vida en forma viva.


Para buscar el ritmo hay que oír y escuchar. Cuando el ritmo es exacto lo sientes con todos tus sentidos. Te invade una especie de confianza cuando te dejas llevar por el ritmo. Pero también hay que controlarlo. Se aprende haciendo ritmo. En el hacer se aprenderá progresivamente la técnica y la interpretación como la improvisación. Además, sensibiliza la memoria, la audición, el pensamiento, mejora la concentración y ayuda al desarrollo biopsicomotor. El ritmo desarrolla un sentimiento social, colectivo, personal y disciplinado.


“El ritmo como portador de fuertes impulsos síquicos y físicos hace pasar a un segundo plano procesos mentales discordes produciendo relajación en la persona” y no existe forma única de iniciar la enseñanza del ritmo. Es importante comenzar bien nada más.”

Publicado con autorización de su autor y citado en el primer párrafo de esta publicación.


“El estilo mismo define las fronteras de la libertad del intérprete”

Entrevista a Eduardo Fernández

“Cada obra posee una verdad,
que será subjetiva o elusiva,
pero hay que buscarla.
La ética del intérprete consiste en
acercarse lo más posible a esa verdad”
Eduardo Fernández

Eduardo Fernández, uno de los mayores referentes actuales de la guitarra clásica en el mundo, estuvo de paso por la ciudad de Lima dentro del marco de la I Temporada Internacional de Guitarra Clásica organizada por el Conservatorio Nacional de Música.

Fueron días intensos en los que el maestro brindó clases magistrales a los participantes, un extraordinario concierto y dentro de su apretada agenda tuvo la gentileza de cedernos unos minutos para esta entrevista junto a nuestro director, Daniel Ravelo, en la que nos habla acerca de algunos puntos escenciales de la interpretación musical.

Queremos agradecer especialmente al comité organizador del evento por facilitarnos el espacio y acceso para esta entrevista.

El músico y su oído: 3 consejos básicos

Todos conocemos la famosa frase “escucha antes de hablar”. En la práctica, muchos conflictos o discusiones entre nuestros similares se deben a malentendidos por no tomar el tiempo necesario de escuchar al otro o, por el contrario, no ser escuchados. Esto ha trascendido en todos los ámbitos sociales; es común ver políticos o famosos gritando a pleno pulmón en debates televisivos, soportar las bocinas sonando desesperadas en el tráfico, vivir en medio del ansia colectiva de estallar en lugar de entender. En medio de una sociedad tan diversa, ágil y caótica, el simple hecho de escuchar se ha convertido en un arte, privilegio de quienes saben hacerlo.

1.- Tu amigo, el oído.

Es interesante saber que el oído es el primero de los 5 sentidos que el ser humano desarrolla antes de nacer. Oír antes que hablar se establece como una jerarquía tanto social como anatómica. Y, por supuesto, también se aplica en el ámbito musical. En el desarrollo artístico de un músico es vital aprender a usar el oído porque ésta será su principal herramienta durante su carrera. Sea un cantante que usa sus cuerdas vocales o un pianista que usa sus manos, a todos los miembros de un ensamble los une un denominador común, el oído. Si está bien entrenado, será el instrumento más objetivo de la banda.

2.- Escucha antes de tocar

Un error muy común en músicos principiantes al momento de tocar repertorio nuevo es que no se detienen a escuchar al menos una pasada de toda la pieza. Lanzar acordes sueltos o los patrones correctos en medio de alguna canción sin conocerla en su totalidad quizá llegue a sonar convincente, mas no profesional. ¿Por qué? Porque tocar una secuencia de acordes o ritmos es algo que cualquier amateur puede hacer. Sin embargo, entender la interacción entre todos los elementos de una canción, identificar sus funciones específicas y conducir su propio instrumento hasta lograr un sonido que lo identifique o que encaje con el grupo sólo lo logra el artista que se escucha a sí mismo y, con la misma dedicación, a los demás.

3.- No sólo es un sonido, es una intención

Este punto es el resultado del anterior, es distinto saber cómo suena un elemento en una canción a reconocer su función dentro de ese contexto. Al igual que en una conversación donde hay un intercambio de información entre dos o más personas, en la música los instrumentos conversan bajo un rol específico. Por ejemplo, el cantante no sólo entona notas, sino cumple con la función de trasmitir un mensaje o una emoción. Por su parte, la batería no sólo marca el ritmo, sino dependiendo de la canción, trasmite energía o calma. Entender la intención de cada artista a través de su sonido, como de cada participante en una conversación, se logra gracias a la atención prestada por el oír. Como reflexión, hay un beneficio mayor al escuchar las máximas referencias posibles y abrir espacios para un resultado más productivo. Si hay alguien que debe ejercer con maestría el arte de escuchar en un mundo lleno de ruidos estridentes o bocinas ansiosas, es el músico.